Poses para Referência

Desenhar o corpo humano, seja ele real ou estilizado, por vezes apresenta dificuldades...e não só para desenhistas iniciantes. Por essa razão, os artistas usam referências, quando necessário: pois não tem como eles saberem desenhar "tudo de cabeça", o tempo todo! Inclusive eu já disse, no passado: nenhum artista cria a partir do Nada. (veja aqui para maiores detalhes).

Com a internet (e o Google), obter referências se tornou bem fácil. Porém, como toda informação sempre ajuda, vim aqui indicar um link. O blog AnatoRef, do Tumblr, tem imagens como estas, entre outras coisas:

Embora essas poses sejam no estilo do mangá, acredito que elas tenham utilidade também para quem desenha um estilo mais realista. Ao menos elas dão uma idéia no que se basear...

Para acessar a postagem, contendo várias outras imagens, basta clicar aqui. Recomendo visitar outras áreas do blog. Navegando através do archive, você tem acesso a uma mapa das postagens, mês a mês.

Efeito de Pintura Realística no Photoshop

Acabei de praticar o tutorial How To Create a Realistic Painted Effect in Photoshop, do blog Spoon Graphics e vim publicar minhas experiências. Abaixo, à esquerda, está a foto original e à direita, depois de aplicado os efeitos, tudo conforme as instruções do tutorial:

Deste ponto em diante, comecei a experimentar. Primeiro dupliquei a camada e fui em Filtro/Artísticos/Aquarela (Filter/Artistic/Watercolor) (onde usei estas configurações - Detalhe do Pincel:12, Intensidade da Sombra: 1 e Textura: 1):

O efeito Aquarela, por si só, é interessante...porém, ele alterava demais o resultado! Assim, mudei o modo da camada-cópia, de: Normal para: Divisão (Screen) e reduzi sua opacidade para 38%:

Temos aqui quatro imagens para fins de comparação. A primeira, do canto esquerdo, é a original. A segunda foi obtida seguindo à risca o tutorial. A terceira aplicando o filtro Aquarela na camada-cópia e a última após suavizar o efeito do filtro, mudando o modo e a opacidade daquela camada:

E se, ao invés de uma foto, eu usasse um desenho? Peguei um antigo desenho meu...

...e refiz nele quase todos os passos do tutorial do Spoon Graphics. Digo quase porque precisei mudar as configurações do filtros Aplicação Inteligente de Nitidez (Smart Sharpen) e o Desfoque de Superfície (Surface Blur):

Então aí está o desenho original da bruxinha, abaixo à esquerda e o resultado final, à direita:

Uma experiência interessante, pois ela demonstrou que a técnica do tutorial poderia ser empregada, com sucesso, em desenhos...além de me revelar uma limitação do efeito: os textos e linhas retas são afetados, como se vê no "antes" e no "depois", logo abaixo:

Isso é, necessariamente, algo ruim? Não. Depende do que você deseja obter. Se eu quisesse, por exemplo, que nem os textos nem as retas sofressem alteração...então, teria que isolar esses elementos, separando-os do resto da desenho, de modo a protegê-los.

Anatomia e Movimento

Visitando o Art and Reference Point, do Tumblr, encontrei dois sites interessantes, um sobre anatomia e outro sobre movimento. Vamos a eles:

• Anatomy360 •

Em termos de detalhes e naturalidade, eles possuem modelos 3D de alta qualidade, como demonstra essa imagem:

Nesta postagem do Art and Reference Point, você verá uma gif com o movimento dessa figura, bem como o link do Anatomy360. Me chamou a atenção o fato dos modelos 3D não se limitarem a retratar super-heróis anabolizados: ao contrário, eles mostram pessoas normais.

Isso é ótimo, porque não adianta você saber desenhar atletas musculosos e super-modelos gatas e...nada além disso! E quando precisar desenhar gente comum, como vai ser?

Entretanto, se entendi bem, a maioria dessas imagens (as de resolução bem alta, pelo menos) são vendidas pelo site, portanto não espere encontrar muita coisa gratuita ali.

• Bodies in Motion •

Como próprio nome já diz, esse é especializado no Movimento do Corpo Humano:

Maiores detalhes aqui. O site Bodies in Motion é pago, porém as imagens deles são indiscutivelmente nítidas e de excelente qualidade.

Dois Tutoriais de Gimp

Numa postagem passada eu afirmei ter deixado o Gimp, isto por não encontrar mais uso para ele, em minha vida profissional. E, desde então, não tornei a lidar com o programa. Já nem sei como ele está, em sua versão atual.

Além disso, muitos blogs, sites e fóruns dedicados ao Gimp só contam com postagens antigas, às vezes com imagens faltando e vários desses locais deixaram de existir, inclusive. E, fato, o número de usuários diminui bastante, dificultando a troca de experiências.

Claro, porém, que ainda deve haver muita gente boa usando o Gimp. E, como durante minha busca por tutoriais e recursos de Inkscape e Blender, eu acabo achando, por acaso, uma ou outra coisa interessante a respeito do Gimp...decidi voltar a divulgar isso aqui, também! Assim, se eu não aproveito esse material, outros aproveitarão...

Esses dois tutoriais são do canal Livre Labs. O primeiro ensina como lidar com a Ferramenta Gaiola. Não cheguei a utilizar esse ferramenta, nos tempos em que mexia no Gimp. Pelo vídeo, seu funcionamento deve ser semelhante àquela existente no Photoshop:

O segundo vídeo trata de um recurso que permite ao Gimp processar arquivos em lotes, ou seja, quando você precisa executar uma determinada edição em várias imagens (algo que, sem dúvida, fazia uma grande falta, no programa):

Bem, é isso. Caso alguém tenha dúvida a respeito dos tutoriais, infelizmente não poderei ajudar. Tente se inscrever no Livre Labs. Ou procure grupos de usuários do Gimp.

Blender Art Magazine

É uma revista digital gratuita, publicada desde 2005. O Internet Archive possui uma coleção dessas revistas, disponível aqui. Você pode ler on-line ou, se preferir fazer o download.

Praticando Illustrator...no Inkscape!

Até o momento ainda não tive oportunidade de mexer no Illustrator, embora esbarre com vários tutoriais desse programa, pela internet. O que fazer, então? Seguindo aquele velho ditado, "quem não tem cão caça com gato", pratico esses tutoriais de Illustrator no Inkscape...e, em muitos casos, o Inkscape tem me atendido bem. Olha só o que consegui nele:

O tutorial original, para Illustrator, chama-se Create a Sweet Honeycomb Pattern in Adobe Illustrator. Verdade seja dita, eu não segui o tutorial 100% à risca...nem considerei necessário porque, normalmente, há mais de um caminho para se realizar determinada coisa. Além disso os programas possuem diferenças de recursos e, muitas vezes, você precisa adaptar técnicas num e noutro para conseguir o mesmo efeito.

Pessoalmente acho que meu resultado saiu satisfatório. Se você tiver um conhecimento médio do Inkscape, poderá conseguir o mesmo. Ou se tentar no Corel ou mesmo no Photoshop ou no Gimp (se bem que esse tipo de desenho, por ser geométrico, geralmente sai com melhor qualidade em programas vetoriais).

Para facilitar, deixo o esquema abaixo (clique para ampliar). Tudo começou com uma figura geométrica básica, o hexágono (1). Seguindo o tutorial obtive a figura principal do pattern (2). Para obter uma variante (3), bastou escurecer alguns tons. A figura principal foi composta através de formas e degradês, empilhados um sobre ou outro. Para tornar mais claro para você, separei esses elementos (4):

Importante: nos programas baseados em bitmap, tais como o Photoshop e o Gimp você também cria a figura empilhando formas e degradês...no entanto, geralmente deve colocar cada elemento em uma camada separada. Do contrário tudo ficará junto e será mais difícil mudar cores, depois. Já os programas vetoriais (Inkscape, Corel, Illustrator...) são diferentes nessa parte.

Além de também contar com o recurso de camadas eles trabalham com o conceito de "pilhas de objetos". No Inkscape, por exemplo, se você cria um quadrado e, em cima dele, cria outro quadrado...o programa irá considerar os dois objetos como duas formas separadas, ainda que estejam numa só camada e sejam de cor e tamanho idênticos.

Ou seja, você não é obrigado a criar camadas. Já no Photoshop e no Gimp é necessário manter os dois objetos em camadas separadas ou eles serão fundidos em um só objeto...

Retornando (aos poucos) ao Blender

Há uns quatro anos comecei a aprender a mexer no Blender...e interrompi esses estudos principalmente devido à falta de motivação. Nos dois últimos meses voltei a lidar com o programa, se bem que não de forma muito regular. Cada dia aprendo algo novo no Blender...e, cada dia, vejo o quanto me falta aprender sobre ele! Porém, considero esse aprendizado é importante. Demais.

Primeiro, porque a Arte 3D ganhou muito espaço e logo chegará o dia em que todo artista deverá conhecer isso! Tenho certeza que alguns vão dizer: "Não, não vai ser assim!" Mas vai, tenho certeza. Quando os programas gráficos passaram a ser mais usados, no mercado, um desenhista afirmou que eram "apenas modismo". Isto em 1997. E hoje? A maioria dos desenhistas usa meios digitais, senão em todo o processo de seu trabalho, pelo menos em parte dele. Fora o fato de que muitos deles, assim como eu, trocaram lápis e papel por mesas digitalizadoras.

Em segundo lugar, quando você lida com um programa 3D, como o Blender, passa a aprender um porção de coisas úteis, que podem somar à sua bagagem de artista. A questão da iluminação, por exemplo: você precisa posicionar as lâmpadas que iluminam sua cena não apenas no local correto, como também na distância adequada e saber dosar a energia, a força da luz que aquela lâmpada está emitindo!

Fácil? Não, levará tempo até eu dominar a iluminação no Blender...mas estou no caminho! Estas são algumas de minhas experiências no programa:

Na primeira imagem eu usei vetores criados por mim no Inkscape, a mesma figura desta postagem anterior. Os vetores foram abertos diretamente no Blender e eu segui este tutorial do RazGriz para dar o efeito tridimensional na figura.

Já no caso da imagem dos caminhões de brinquedo, a segunda, elas não foram assim tão planejadas. Na verdade eu ia modelar um vaso e a experiência foi sem sucesso. Percebi, no entanto, que a forma modelada lembrava uma roda de brinquedo...então, fiz três cópias do objeto, modelei uma carroceria estilizada e montei um caminhãozinho. Fiz uma cópia dele e aproveitei a ocasião para experimentar a composição da cena e a iluminação dela.

Quanto à última imagem, ela é composta de três objetos simples: uma esfera, um cubo (modificado para parecer uma pequena plataforma) e um plano. A figura principal é, logicamente, a esfera. Nela eu apliquei um antigo desenho meu, elaborado no Inkscape, seguindo as indicações deste tutorial do site BlenderUp .